Colección: José Luis Romero

Tras formarse en diseño gráfico en la Escuela de Investigación Gráfica de Bruselas (2009-2013), Nattosito se instaló en Nantes en 2015, donde decidió dedicarse plenamente a la pintura. Su trabajo, inicialmente figurativo, explora la relación entre el ser humano y su entorno a través de paisajes naturales y urbanos realizados principalmente en acrílico sobre lienzo, papel o muro. Desde 2019 su obra reflexiona sobre la transformación de los paisajes —especialmente los de su infancia en Vendée— marcados por la urbanización y la progresiva desaparición de la presencia humana. Sus composiciones funcionan como fragmentos narrativos abiertos, invitando al espectador a completar la historia. Series como Pérégrinations (2023), compuesta por 370 pequeñas obras sobre papel que capturan variaciones del cielo a lo largo del día, marcan un giro hacia un lenguaje más centrado en el color. Influido por artistas como David Hockney y Henri Matisse, su trabajo evoluciona actualmente hacia una pintura más libre, luminosa y cercana a la abstracción.

 

PEREGRINAJES

Inspiradas en los paseos del artista, estas obras nos sitúan ante paisajes en transformación donde el tiempo parece suspendido, revelando tanto la serenidad como la fragilidad de nuestra relación con la naturaleza. Los cielos, pintados con gran intensidad, se convierten en los verdaderos protagonistas de la exposición, oscilando entre la calma contemplativa y la tormenta, como reflejo de nuestros propios estados emocionales. Las nubes se expanden hasta rozar la abstracción, invitando al espectador a mirar más allá de lo visible y a percibir lo intangible.

La muestra reúne más de 280 pequeños formatos que funcionan como fragmentos del mundo, instantáneas de lo efímero que, acumuladas, generan una sensación de infinito. Junto a ellas, grandes lienzos abiertos al cielo ofrecen espacios de respiro y contemplación. En conjunto, la exposición propone una reflexión poética sobre el paso del tiempo y la impermanencia, capturando una belleza luminosa y melancólica que recuerda que todo cambia, incluso aquello que parece permanecer.

Gen Isoe (Madrid, España) es un artista cuya trayectoria se sitúa entre dos contextos culturales: nació en Madrid y creció en Kobe (Japón), una experiencia que ha marcado profundamente su sensibilidad estética. Tras cursar estudios universitarios en Arts in Policy Management, regresó a Madrid en 2014 para centrarse en el dibujo y desarrollar su carrera artística de forma principalmente autodidacta. Su trabajo se ha orientado hacia la figuración contemporánea, con especial atención al dibujo como herramienta central de investigación plástica.
En los últimos años su obra ha sido reconocida en diversos certámenes internacionales, obteniendo el Primer Premio en el Concurso Internacional de Dibujo Ynglada-Guillot y recibiendo menciones y selecciones en premios como Figurativas y ModPortrait en el Museo MEAM de Barcelona. Ha participado en exposiciones colectivas en galerías y centros de arte en España, consolidando una trayectoria emergente dentro del panorama del dibujo contemporáneo.

FRUTAS EN EL SUELO

El trabajo de Gen Isoe parte de una investigación sobre la percepción y la forma en que construimos la imagen del mundo. Su pintura no busca representar los objetos desde un único punto de vista, sino explorar una mirada abierta y múltiple que integra diferentes sentidos del cuerpo. Para el artista, ver no es sólo observar, sino percibir: captar aquello que aparece de forma fragmentaria o inestable y que el cerebro reconstruye como continuidad de espacio y tiempo.
Tomando como motivo elementos cotidianos como las frutas, Isoe estudia su naturaleza cambiante —frescas, marchitas, deformadas o reflejadas— como metáfora de una realidad orgánica en constante transformación. Su trabajo se inspira también en la tradición pictórica china, especialmente en la obra de Fan Kuan, donde el espacio no depende de un único punto de fuga sino de múltiples distancias y perspectivas.
A partir de esta referencia, su pintura se sitúa entre la observación y la interpretación: no pretende copiar la realidad ni acercarse al hiperrealismo, sino describir la experiencia perceptiva de las cosas. El resultado es una obra que explora los límites entre lo visible y lo invisible, entre lo conocido y lo desconocido, buscando una mirada más primaria y universal sobre el mundo.

Enrique González es un pintor español cuya trayectoria artística se ha desarrollado a lo largo de más de tres décadas, marcada por una formación en gran medida autodidacta y por una temprana dedicación al dibujo, la pintura y el grabado. Durante su juventud amplió su aprendizaje en distintos talleres, entre ellos el de la galería-taller Brita Prinz en Madrid, donde profundizó en las técnicas de obra gráfica. A lo largo de su carrera ha explorado diversas corrientes —desde la abstracción y el expresionismo hasta la figuración o el minimalismo— en un proceso continuo de búsqueda de un lenguaje propio. Durante varios años también impulsó la revista especializada Grabado y Edición, dedicada a la difusión del arte gráfico contemporáneo y al diálogo con artistas e instituciones culturales. Tras esa etapa centró plenamente su actividad en la pintura, desarrollando una obra que reflexiona sobre la luz, la naturaleza y la experiencia estética, y que ha sido presentada en exposiciones y ferias de arte tanto en España como en el ámbito internacional.

Los grabados que componen esta exposición fueron realizados a finales de los años noventa, un periodo en el que el artista se dedicó exclusivamente al grabado, alcanzando una notable maestría técnica y una gran intensidad conceptual en la construcción de sus imágenes. Las obras nacieron en un entorno de vida rural, en plena naturaleza, donde el artista tenía su estudio rodeado de prados y viejos fresnos, una atmósfera que impregna el carácter sensible y contemplativo de las estampas. Están realizadas sobre planchas de zinc mediante la combinación de técnicas como aguafuerte, aguatinta, ácido directo y transfer, a las que se suma en ocasiones una segunda estampación xilográfica que introduce matices cromáticos y una atmósfera particular. Estas obras constituyen el germen de su lenguaje visual, donde confluyen referencias a la historia de la pintura, la influencia del arte japonés —especialmente del ukiyo-e— y una sensibilidad cercana a la estética zen y wabi-sabi. A ello se suma la importancia del azar, la intuición y la combinación de imágenes procedentes tanto del imaginario clásico como de fotografías o invenciones propias. La muestra presenta además un carácter singular: aunque fueron concebidas como ediciones, las planchas originales ya no existen y las series nunca se completaron, lo que convierte a cada estampa en una pieza prácticamente irrepetible y refuerza la dimensión de fugacidad e impermanencia que atraviesa todo el conjunto.

Manuel Luca de Tena Navarro (Madrid, 1954) es pintor, investigador y profesor universitario. Se formó en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid y posteriormente en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense. A comienzos de los años ochenta viajó a Japón y residió en Tokio, donde estudió lengua y cultura japonesa y realizó varias exposiciones como pintor, además de trabajar como ilustrador para la cadena pública NHK.
De regreso a España desarrolló su carrera artística paralelamente a la docencia universitaria, siendo profesor en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca, donde ha impartido asignaturas de pintura, técnicas pictóricas y psicología del arte. En 2009 obtuvo el doctorado cum laude con una tesis sobre el concepto del vacío en la pintura contemporánea a la luz del pensamiento oriental.
Ha sido vicedecano de docencia y relaciones internacionales y participa en proyectos de investigación centrados en el arte japonés y la estética comparada. Como artista ha realizado más de veinte exposiciones individuales y más de cincuenta colectivas en España y Japón. Su obra forma parte de diversas colecciones públicas e institucionales


ENTRE EL VIENTO Y LA TIERRA


La exposición climática de Manuel Luca de Tena restituye al frío y a la luz la dimensión ambiental que el otoño pierde en la ciudad. Cada óleo es un sobrio susurro del paisaje, juntos conforman un coro hipnótico que nos arrastra hasta sumergirnos en las profundidades monocromas del cuadro.
Desde la serie “Memorias de la Luz”, hasta “Peregrinajes”, realizada especialmente para la ocasión de esta exposición, la obra de Manuel Luca de Tena es la perfecta reivindicación de la dimensión atmosférica del ser humano. Mientras cada uno de los cuadros nos recuerda la magnitud del paisaje, la dimensión inmersiva del conjunto alimenta el deseo, muy necesario, muy urgente, de ser el paisaje